Здравствуйте! Сейчас время обеденного изучения Искусство Кореи. Сегодня мы узнаем о Корейская живопись. Надеемся, что это содержание добавит энергии вашему дню.

---

**Кисть и Душа Кореи: Откройте для себя Мир Живописи**

Корейская живопись – это не просто набор изображений; это глубокое отражение истории, философии и неповторимой души народа. На протяжении тысячелетий она развивалась под влиянием богатой культурной палитры, вбирая в себя элементы буддизма, конфуцианства и даосизма, при этом сохраняя свою уникальную эстетику и самобытность. Для русскоговорящих читателей, интересующихся Кореей, знакомство с её живописью открывает новые грани понимания этой удивительной страны.

**Истоки и Ранние Периоды: От Мифов к Буддийскому Искусству**

Самые ранние свидетельства корейской живописи восходят к наскальным рисункам доисторических времен, но расцвет начинается в период Трёх Королевств (ок. 57 г. до н.э. – 668 г. н.э.). В этот период, особенно в королевстве Когурё, получили развитие фрески в гробницах, изображающие сцены из повседневной жизни, мифологических существ и небесных светил. Эти ранние работы демонстрируют динамизм, мощь и выразительность, закладывая основы для будущих стилей.

С распространением буддизма в Корее (начиная с IV века) живопись обрела новое направление. В период Объединенного Силла (668–935 гг.) и особенно в династии Корё (918–1392 гг.) буддийская живопись достигла своего пика. Изображения Будд, Бодхисаттв и сцен из сутр отличались изысканной детализацией, яркими минеральными пигментами, использованием золота и серебра. Эти произведения, часто выполненные на шелке, поражают своей тонкостью линий, богатством орнаментов и глубокой духовностью. Мастера Корё были известны своей способностью передавать не только внешнюю красоту, но и внутреннее состояние персонажей.

**Эпоха Чосон: Золотой Век Корейской Живописи**

Династия Чосон (1392–1897 гг.) считается золотым веком корейской живописи, когда она достигла наибольшего разнообразия и утонченности. В этот период преобладало влияние конфуцианства, что привело к изменению тематики: на первый план вышли пейзажи, портреты, изображения цветов и птиц, а также жанровые сцены.

Одной из самых значимых школ Чосон была **пейзажная живопись (산수화, *сансухва*)**. В отличие от китайских аналогов, корейские пейзажи часто стремились к более реалистичному изображению конкретных мест, что получило название **"истинный пейзаж" (실경산수화, *сильгён сансухва*)**. Ярким представителем этого направления был Чон Сон (Jeong Seon, 1676–1759), чьи работы отличаются динамичными композициями и уникальной техникой мазков, передающих мощь корейских гор.

Поздний Чосон также ознаменовался расцветом **жанровой живописи (풍속화, *пхунсокхва*)**. Художники, такие как Ким Хон-до (Kim Hong-do, 1745–ок. 1806) и Син Юн-бок (Shin Yun-bok, 1758–?), изображали повседневную жизнь простых людей: крестьян за работой, женщин у ручья, сцены народных гуляний. Их работы полны юмора, наблюдательности и живой энергии, предоставляя бесценный взгляд на социальную структуру и нравы того времени.

Отдельного упоминания заслуживает **народная живопись (민화, *минхва*)**. Это был стиль, созданный анонимными художниками для простых людей. Минхва часто изображала символы удачи, долголетия, плодородия (например, тигров, драконов, пионы, карпов). Эти яркие, наивные и полные жизненной силы картины были призваны украшать дома и приносить благополучие, отражая народные верования и мечты.

**Материалы и Техники**

Корейские художники традиционно использовали тушь (먹, *мок*) и минеральные пигменты на бумаге *ханджи* (한지), изготовленной из коры тутового дерева, или на шелке. Техника тушевой живописи, известная как *сумукхва* (수묵화), требовала от мастера виртуозного владения кистью, способного передавать бесчисленные оттенки от глубокого черного до полупрозрачного серого, а также фактуру и объем лишь одной тушью. Цветные картины (채색화, *чхэсекхва*) отличались яркой палитрой и тщательной проработкой деталей.

**Современность: Сохраняя Традиции, Принимая Новое**

В XX веке корейская живопись столкнулась с влиянием западных художественных течений. Многие художники экспериментировали с масляной живописью, абстракционизмом и другими современными стилями. Однако многие продолжают черпать вдохновение в традициях, используя классические материалы и техники, но при этом переосмысливая их в современном контексте. Это создаёт уникальный диалог между прошлым и настоящим, сохраняя живую связь с богатым наследием.

**Заключение**

Корейская живопись – это мир, полный гармонии, духовности и глубокого понимания природы и человека. От динамичных фресок древних гробниц до изысканных буддийских свитков, от величественных пейзажей до живых жанровых сцен – каждое произведение является окном в историю и душу Кореи. Изучая её, мы не только восхищаемся мастерством художников, но и глубже постигаем уникальный культурный код этой страны.

---

[한국어 번역]

**붓과 한국의 영혼: 회화의 세계를 발견하다**

한국화는 단순한 이미지의 집합이 아닙니다. 그것은 역사, 철학, 그리고 한국 민족의 독특한 영혼을 깊이 반영합니다. 수천 년 동안 한국화는 풍부한 문화 팔레트의 영향을 받아 불교, 유교, 도교의 요소를 흡수하면서도 독특한 미학과 정체성을 유지했습니다. 한국 문화에 관심이 있는 러시아어권 독자들에게 한국화를 접하는 것은 이 놀라운 나라를 이해하는 새로운 지평을 열어줍니다.

**기원과 초기 시대: 신화에서 불교 예술로**

한국 회화의 가장 초기 증거는 선사 시대의 암각화로 거슬러 올라가지만, 전성기는 삼국 시대(기원전 약 57년 – 기원후 668년)에 시작됩니다. 이 시기, 특히 고구려 왕국에서는 일상생활, 신화적 존재, 천체를 묘사한 고분 벽화가 발전했습니다. 이러한 초기 작품들은 역동성, 힘, 표현력을 보여주며 미래 스타일의 기초를 다졌습니다.

한국에 불교가 전파되면서(4세기부터) 회화는 새로운 방향을 얻었습니다. 통일 신라 시대(668-935년)와 특히 고려 왕조(918-1392년)에는 불교 회화가 절정에 달했습니다. 부처, 보살, 경전 속 장면 묘사는 정교한 세부 묘사, 밝은 광물 안료, 금과 은의 사용으로 특징지어졌습니다. 종종 비단에 그려진 이 작품들은 섬세한 선, 풍부한 장식, 깊은 영성으로 놀라움을 선사합니다. 고려의 장인들은 외적인 아름다움뿐만 아니라 인물들의 내면 상태까지 전달하는 능력으로 유명했습니다.

**조선 시대: 한국 회화의 황금기**

조선 왕조(1392-1897년)는 한국 회화의 가장 큰 다양성과 세련미를 이룬 황금기로 여겨집니다. 이 시기에는 유교의 영향이 지배적이었고, 이는 주제의 변화로 이어졌습니다. 풍경, 인물, 꽃과 새의 그림, 그리고 풍속화가 전면에 부상했습니다.

조선 시대의 가장 중요한 학파 중 하나는 **산수화(山水畫)**였습니다. 중국의 산수화와 달리 한국의 산수화는 종종 특정 장소를 더 사실적으로 묘사하려는 경향이 있었는데, 이를 **"실경산수화(實景山水畫)"**라고 불렀습니다. 이 분야의 대표적인 화가로는 정선(鄭善, 1676-1759)이 있습니다. 그의 작품은 역동적인 구도와 한국 산의 웅장함을 담아내는 독특한 붓놀림 기법으로 유명합니다.

조선 후기는 또한 **풍속화(風俗畫)**의 전성기를 알렸습니다. 김홍도(金弘道, 1745년경-1806년경)와 신윤복(申潤福, 1758년-?)과 같은 화가들은 평범한 사람들의 일상생활, 즉 일하는 농민, 시냇가에 있는 여인들, 민속 축제 장면 등을 묘사했습니다. 그들의 작품은 유머, 관찰력, 생동감 넘치는 에너지로 가득 차 있으며, 당시의 사회 구조와 풍습에 대한 귀중한 통찰력을 제공합니다.

**민화(民畫)**는 특별히 언급할 가치가 있습니다. 이것은 익명의 화가들이 일반 사람들을 위해 그린 스타일이었습니다. 민화는 종종 행운, 장수, 다산의 상징(예: 호랑이, 용, 모란, 잉어)을 묘사했습니다. 이 밝고 소박하며 생명력 넘치는 그림들은 집을 장식하고 행복을 가져다주며 민간 신앙과 꿈을 반영하도록 의도되었습니다.

**재료와 기법**

한국 화가들은 전통적으로 닥나무 껍질로 만든 한지(韓紙)나 비단에 먹(墨)과 광물 안료를 사용했습니다. 수묵화(水墨畫)로 알려진 먹 그림 기법은 깊은 검은색부터 반투명한 회색까지 무수한 색조를 전달할 수 있는 붓놀림의 뛰어난 숙달을 요구했으며, 오직 먹만으로 질감과 볼륨을 표현했습니다. 채색화(彩色畫)는 밝은 색상 팔레트와 세심한 세부 묘사가 특징입니다.

**현대: 전통을 보존하고 새로운 것을 수용하다**

20세기에 한국 회화는 서양 미술 사조의 영향을 받았습니다. 많은 화가들이 유화, 추상화 및 기타 현대적인 스타일을 실험했습니다. 그러나 많은 이들이 전통에서 영감을 받아 고전적인 재료와 기법을 사용하면서도 현대적인 맥락에서 재해석하고 있습니다. 이는 과거와 현재 사이에 독특한 대화를 만들어내며, 풍부한 유산과의 생생한 연결을 유지합니다.

**결론**

한국 회화는 조화, 영성, 그리고 자연과 인간에 대한 깊은 이해로 가득 찬 세상입니다. 고대 무덤의 역동적인 벽화에서부터 정교한 불교 두루마리, 장엄한 풍경화에서 생생한 풍속화에 이르기까지, 각 작품은 한국의 역사와 영혼으로 향하는 창입니다. 한국화를 공부함으로써 우리는 화가들의 솜씨에 감탄할 뿐만 아니라 이 나라의 독특한 문화 코드를 더 깊이 이해하게 됩니다.